ORSON WELLES

Orson Welles. Biografia, filmografia y fotos

ORSON WELLES (1915-1985) George Orson Welles, productor, director, guionista y actor estadounidense, pionero y genio del cine, maestro y profundo renovador de los recursos estéticos y narrativos del lenguaje cinematográfico, figura influyente por su entramado e imaginativo estilo fímico repleto de barroquismo y deslumbrancia visual. Welles nació en Kenosha, Wisconsin (Estados Unidos), el 6 de mayo de 1915. Su padre era el empresario e inventor Richard Head Welles y su madre, llamada Beatrice Ives, se dedicaba a ofrecer conciertos de piano.

Orson era el hijo menor de la pareja, siendo Dickie, quien sufriría múltiples problemas mentales que lo llevaron a ser recluido en una institución psiquiátrica, su hermano mayor.
Beatrice y Richard se divorciaron en 1921. Bajo consejos del doctor de la familia, Maurice Bernstein, quien descubrió la genialidad del niño a temprana edad, la madre de Welles comenzó a instruir a su hijo en todo tipo de expresiones artísticas, como la música, la literatura la pintura o el dibujo.
Beatrice fallecería en 1924 y Orson pasaría a custodia de su progenitor, aquejado de alcoholismo. Bernstein, admirador de las facultades del joven, sería el verdadero impulsor en la educación de Welles, quien estudiaría en la Tool School de Illinois.
En 1930 Orson sufriría la pérdida de su padre, quien falleció a causa de su adicción a la bebida.

Profundo admirador de la obra de William Shakespeare desde su infancia, antes de desembarcar en Hollywood, Welles ya se había ganado cierta reputación en el mundo del teatro. A la edad de 18 años emigró a Irlanda, trabajando en el experimental Gate Theatre a comienzos de los años 30. Más tarde consigue debutar con la compañía de Katherine Cornell tras ser recomendado por Thornton Wilder y Alexander Woollcott, en donde aparece en producciones basadas en obras de Shakespeare, debutando en Broadway con la representación de "Romeo y Julieta".

En 1934 contrae matrimonio con la actriz Virginia Nicholson y brilla con sus originales propuestas en el Federal Theatre Project, en donde colabora con John Houseman. Cuando sus avanzadas ideas sobre la expresión artística le llevan a salir del Federal Theatre, Welles funda junto a Houseman el Mercury Theatre, consiguiendo el éxito con sus representaciones radiofónicas y teatrales, como “Macbeth” y “Julio César”.
El suceso que cambió su vida profesional ocurriría en 1938. Con actores de su compañía, Orson representaría la obra de H. G. Wells “La guerra de los mundos” en una versión radiofónica tan realista que provocó una gran conmoción y pánico entre sus oyentes, quienes, después de escuchar la presunta invasión de New Jersey por los alienígenas, saldrían corriendo atemorizados a las calles pensando que el ataque extraterrestre era cierto.
Este extraordinario suceso elevaría la fama de Welles, provocando que su nombre llegara a oídos de los estudios de Hollywood.

La RKO le ofertó una cantidad impensable para un principiante en las artes cinematográficas: 225.000 dólares más un plus sobre los beneficios y absoluta libertad creativa para rodar dos películas. Orson, que había realizado un par de cortos con anterioridad, aceptó la oferta y comenzó a rodar su primer film, que en un principio se iba a titular “Americano”.

Esta película contaba la historia de un magnate llamado Charles Foster Kane, basando el personaje en la figura de William Randolph Herst.
Welles, que en 1939 se había divorciado de Virginia, rebautizaría su proyecto con el nombre de “Ciudadano Kane” (1941).
Los resultados técnicos del film pasarían a la historia por su compleja puesta en escena, la detallada utilización del gran angular y la profundidad de campo, la fuerza de sus encuadres, los juegos de luces y sombras o la innovadora aplicación del montaje y el sonido.
La crítica recibió con entusiasmo la película pero la mala distribución del film y la campaña en contra orquestada por Hearst provocó que “Ciudadano Kane” fracasase estrepitosamente en la taquilla. A pesar de ello, la película recibió nueve nominaciones al premio Oscar, consiguiendo Welles y Herman J. Mankiewicz el galardón al mejor guión original.

Con decepción por el escaso resultado comercial, Orson encaró el rodaje de su segunda película llamada “El cuarto mandamiento” (1942). Las mutilaciones infringidas por la RKO mientras el director estaba rodando un documental en Sudamérica (que finalmente no fue concluido por Welles) no terminaron de perjudicar a este magistral y oscuro drama familiar protagonizado de nuevo por su amigo Joseph Cotten.

Lamentablemente, “El cuarto mandamiento” supuso otro revés a nivel económico, hecho que derivó en su salida de la RKO.
Un año después del estreno del film, Welles contraería matrimonio con Rita Hayworth, con quien tendría a su hija Rebecca, quien nacería en 1944. Con anterioridad, en 1937, Orson había concebido junto a Virginia Nicholson, a su primogénito Christopher Feder.
Antes de volver a aparecer acreditado como director, Wells intervino en películas como “Estambul” (1942) de Norman Foster, “Alma rebelde” (1944) de Robert Stevenson o “Duelo al sol” (1946), película de King Vidor a la que puso su voz como narrador. En “Alma rebelde” y “Estambul” se aprecian claramente los influjos cinematográficos de Welles, llegando incluso a afirmarse que fue el propio Orson Welles el responsable de la dirección.

En 1946 realizó su tercera película gracias a la ayuda de Sam Spiegel, un productor independiente con el que realizó “The Stranger” (1946), un film con temática nazi co-protagonizado por Edward G. Robinson y Loretta Young. Se trata de un film menor pero disfrutable, inferior a sus obras previas y a la siguiente, “La dama de Shangai” (1948), un estupendo film negro con las constantes visuales de su director que fue rodado junto a su esposa Rita Hayworth, con quien se hallaba en pleno proceso de divorcio.

En 1948 la pareja se separaría. Con posterioridad, Orson Welles se casaría con la actriz Paola Mori, con quien coincidió en varias películas, entre ellas “Mr. Arkadin” y “El Proceso”. También mantuvo una sonada relación sentimental con la cantante Eartha Kitt.
Con exigua fortuna en la taquilla y admirado por la crítica, el autor dio inicio a su extraordinaria trilogía sobre las obras de William Shakespeare con “Macbeth” (1948), cuyo fracaso comercial indujo a que Orson abandonase los Estados Unidos y emigrara a Europa, en donde rodaría varias películas, trabajando también como actor en innumerables producciones con el afán de conseguir el lucro necesario para sus propios films como director.
Algunos de sus mejores títulos en tierras europeas fueron “El tercer hombre” (1949), película de Carol Reed narrada con un estilo muy semejante al de Welles o “Moby Dick” (1956), adaptación del clásico de Herman melvilla que dirigió John Huston. También puso su voz como Dios en la película “Don Camilo” (1952) de Julien Duvivier.

En Italia presentaría la segunda parte de su trilogía, la excelente “Otelo” (1952), una película que consiguió ganar en el Festival de Cannes. Con financiación española estrenó “Mr. Arkadin” (1955), un film con una disposición similar a “Ciudadano Kane” que no consiguió los resultados de su precedente a pesar de sus encomiables resultados. Después de diez años alejado de Hollywood, Orson Welles retornaría para filmar dos de sus mejores títulos. “Sed de mal” (1958), un sensacional film noir co-protagonizado por Charlton Heston y Janet Leight, y “El proceso”, absorbente comunión entre Welles y el escritor checo Franz Kafka con Anthony Perkins como Joseph K.

Como actor aparecería en estimables películas, como “El largo y cálido verano” (1958) de Martin Ritt o “Impulso criminal” (1959), film dirigido por Richard Fleischer.
De regreso a Europa, culminaría su trilogía shakesperiana en España con “Campanadas a medianoche” (1965), una amalgama de cinco obras del dramaturgo inglés. Con posterioridad, rodaría para la televisión francesa “Una historia inmortal” (1968), adaptación de un relato de Isak Dinesen, preludio de su última obra acabada, el documental “Fraude” (1973).
Hombre de gran personalidad y carácter independiente, Orson Welles, debido a su perfeccionismo enfermizo, dejaría muchos proyectos inconclusos, entre ellos una versión del Quijote comenzada en 1955, que sería posteriormente restaurada y estrenada después de la muerte de su autor, acaecida en Los Angeles el 9 de octubre de 1985 a la edad de 70 años.

Peliculas criticadas

Ciudadano Kane (1941)
El cuarto mandamiento (1942)
El extraño (1946)
Duelo al sol (1946)
Macbeth (1948)
La dama de Shangai (1948)
El tercer hombre (1949)
Mr. Arkadin (1955)
Sed de mal (1958)
El largo y cálido verano (1958)
El proceso (1962)
Un hombre para la eternidad (1966)
Campanadas a medianoche (1967)
Casino Royale (1967)

DONALD JUDD

Donald Judd ha sido considerado el artista minimalista por excelencia. Comenzó su carrera a finales de la década de 1940 como pintor tradicional pero su trabajo maduro no surgió hasta los años sesenta como consecuencia de sus experimentos con la pintura. De 1961 a 1962, Judd realizó varios relieves con elementos combinados de pintura y escultura. Hacia 1963 abandonó definitivamente la pintura y centró su atención en trabajar en y con el espacio real. Curiosamente Judd ha forjado su concepción de "objetos específicos" más o menos de espaldas al espectador.
"UNA FORMA, UN VOLUMEN, UN COLOR O UNA SUPERFICIE SON ALGO POR SÍ MISMOS; NO DEBERÍAN QUEDAR OCULTOS COMO PARTE DE UNA TOTALIDAD CIERTAMENTE DIFERENTE".

ERICK FISCHL

Fischl nace en 1948 en Nueva York. Entre 1970 y 1972 estudia en el California Institute of Arts, en Valencia (California). Entre 1974 y 1978 es profesor en el Nova Scotia College of Art and Design, en Halifax (Canadá). En 1975 hace su primera exposición individual en la Dalhousie Art Gallery de Halifax.

Si bien sus primeras obras están cercanas a la abstracción, a partir de 1976 introduce elementos figurativos, derivando a finales de los setenta hacia un estilo realista de fuerte carácter expresivo, con influencia de expresionistas como Max Beckmann, Lucian Freud o pintores de la tradición naturalista norteamericana, como Winslow Homer, John Singer Sargent o Edward Hopper.

Su temática se centra principalmente en la sexualidad, con abundantes representaciones de cuerpos desnudos, en actitudes eróticas, pero con cierto aire enigmático, angustioso, opresivo, lo cual queda enfatizado por su gama cromática apagada, grisácea, con una iluminación de extraña intensidad que acentúa el estilo expresivo de sus obras. Así, Fischl llama la atención sobre la desvirtuación de los valores morales en la moderna sociedad norteamericana.

FRANK LLOYD WRIGHT

Frank Lloyd Wright

Retrato de Frank Lloyd Wright

Wright creó un nuevo concepto respecto a los espacios interiores de los edificios, que aplicó en sus casas de pradera, pero también en sus demás obras. Wright rechaza el criterio existente hasta entonces de los espacios interiores como estancias cerradas y aisladas de las demás, y diseña junto a Izazaga un gran arquitecto latino, espacios en los que cada habitación o sala se abre a las demás, con lo que consigue una gran transparencia visual, una profusión de luz y una sensación de amplitud y abertura. Para diferenciar una zona de la otra, recurre a divisiones de material ligero o a techos de altura diferente, evitando los cerramientos sólidos innecesarios. Con todo ello, Wright estableció por primera vez la diferencia entre "espacios definidos" y "espacios cerrados".

MARCEL DUCHAMP

"Marcel Duchamp es considerado actualmente como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Su cuestionamiento de las condiciones que rigen la creación y la comercialización del arte han abierto un nuevo camino, que sigue transitado aún hoy día.Fue él quien aportó la respuesta más radical a los cambios impuestos en el mundo del arte por la era industrial.Mientras su obra es un rompecabezas para artistas e historiadores, sigue constituyendo un enigma para gran parte del público". (Janis Mink." Duchamp" Ed.Taschen).

Tanto las ideas de "ready made", obra enigmática y concepto de "aura" en la obra de arte, son tres conceptos que me interesan muchísimo en este autor y que constituyen el arranque para posteriores tendencias.Si los "ready made" son el punto de partida del minimal art y la obra enigmática es la madre del concepto, la preservación del aura es el punto de partida de mi obra. En "etant donnés" el concepto de aura se preserva prohibiendo la reproducción fotográfica hasta pasados unos años de la muerte del autor, en el INTIMOSCOPIO el concepto de aura se preserva siempre al tener que mirar al interior para tener la experiencia estética que produce.

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REPORTAJE
Marcel Duchamp sí tenía razón.
Una exposición en la Tate Modern demuestra cómo el creador definió el arte de nuestros días - Su célebre urinario, elegido la obra más influyente del siglo XX
PATRICIA TUBELLA - Londres - 19/03/2008

"¿Se pueden hacer obras de arte que no sean obras de arte?". Más que un interrogante es la expresión de una vocación subversiva y provocadora que acompaña a una reproducción a gran escala de La Gioconda, retocada con bigote y perilla, a la entrada de la Tate Modern en Londres. La irreverencia corresponde a Marcel Duchamp y ejerce de invitación para explorar una exposición que el museo londinense dedica a una de las figuras que más ha influido en la noción del arte contemporáneo. La idea de la obra, su proceso creativo, prima sobre el mérito de su realización final. Y ése es el gran pilar del arte conceptual.
Mucho antes de erigirse en el signo de los tiempos, la obra de Duchamp supuso, hace casi un siglo, una radical ruptura de las convenciones. Con la complicidad, eso sí, de sus dos grandes amigos y colegas, Francis Picabia y Man Ray. A ese trío de vividores, unidos en el desprecio por el arte institucionalizado y, en general, por todo lo considerado "correcto", está consagrada la muestra de la Tate que, bajo el sencillo título Duchamp, Picabia, Man Ray, indaga en sus relaciones e influencias mutuas desde el corazón del dadaísmo y el movimiento surrealista, sin dejar de retener cada uno su singularidad.
Duchamp es, sin duda, el genio del grupo, una imparable máquina de ideas y el primero que osó exponer en un museo vulgares objetos de la vida cotidiana bajo la etiqueta de de arte. Como el provocador urinario que decora esta página. Una pieza de porcelana que sacudió el establishment artístico del Nueva York de 1917. El autor francés lo presentó bajo el título La Fuente y la firma del fabricante del sanitario -R. Mutt-, elevándolo a la categoría de obra simplemente porque el artista lo proclamaba como tal. Ese urinario, transformado en escultura moderna, es el paradigma de sus readymade y trastocó para siempre el lazo entre el trabajo del artista y el valor de la obra, que desde entonces podía hacerse con cualquier cosa y tomar cualquier forma. Lo que entonces supuso un ultraje devino en símbolo: recientemente, un panel de quinientos expertos del mundillo votaba a La Fuente como la pieza de arte moderno más influyente.
En cuanto a la "pequeña ayuda de los amigos" (si se permite parafrasear a los Beatles) la muestra sitúa las obras de los tres en el contexto de la amistad que les inspiró y que, en un caso inusual en el mundo del arte, se mantuvo. Francis Picabia, nacido en el seno de una opulenta familia de origen cubano, era una treinteañero de vida disoluta cuando en 1911 conoció a Duchamp. Pese a lo diferente de sus contextos y al carácter más cerebral de este último, la química fue inmediata. Cuatro años más tarde, el espíritu aventurero del americano Man Ray se sumaba a la ecuación artística.
Uno de los nexos era la obsesión por el sexo, que refleja la fuerte carga de erotismo en muchas de las obras expuestas, empezando por las vírgenes, novias y viudas de Duchamp. El recorrido pierde brío en la etapa de la prematura retirada de Duchamp, que decidió consagrarse a sus textos filosóficos y a su gran pasión, el ajedrez, inmortalizada en un filme de René Clair, Entr'Acte.